“La fotografía artística es la representación de una realidad falsa, de un simulacro. Y como arte, es libre…”
-Salvador Alicea
El fotógrafo Salvador Alicea incorporó la enseñanza a su trayectoria dentro del mundo de la fotografía con la creación del programa Aprende Fotografía Digital (AFD). A partir de enero de 2010, Alicea se ha enfocado en brindar talleres a niveles tanto básicos como intermedios y avanzados en la Isla. A su vez, por medio de la página de internet del programa, se ha comprometido en ofrecer algunos tutoriales que toda persona interesada puede acceder.
Como fotógrafo profesional durante más de 20 años, su conocimiento de este arte aborda no tan solo la captura de imágenes, sino, es capaz de evidenciar su destreza a través del dominio del revelado de películas, la ampliación de la imagen y el montaje y enmarcado. Mientras tanto, su entendimiento de la fotografía le propone a sí mismo poseer como objetivo el “buscar una perspectiva única, una hermosa iluminación y diversos temas… para capturar su belleza en un momento en el tiempo… y así pueda ser disfrutada una y otra vez”.
Alicea se enfoca en la “perspectiva artística” para definir la fotografía como “El medio que utiliza el artista para expresar su discurso, para influenciar el sentimiento de quien observa la imagen. La fotografía artística va más allá de los aspectos técnicos o compositivos. Esta gana su esencia de la incertidumbre de no saber qué pasó antes y después de la escena, al ocultar más que lo que muestra. Es lograr estimular la imaginación del espectador mostrando solo un instante de una larga historia.”
Para detalles sobre los talleres ofrecidos por el artista visita su página de internet o su canal de YouTube. Además, pueden obtener más información sobre Salvador Alicea a través de Twitter, Facebook y Google+.
En la siguiente entrevista, el artista expone, como todo un maestro, temas como la fotografía digital y su enseñanza del medio.
RU: ¿Considera que la fotografía análoga ha perdido su vigencia con el auge de la fotografía digital?
SA: Me parece que sí, con el auge de la fotografía digital, su antecesora -la fotografía análoga- ha perdido su vigencia. Hubo un desplazamiento gradual en distintas etapas del proceso de la creación de una fotografía. Por ejemplo, en la fase de la captura, la cámara análoga fue desplazada inicialmente por la cámara digital, en especial cuando los precios de esta última alcanzaron los niveles del poder adquisitivo del consumidor promedio. También con la cámara digital vinieron otras ventajas como la reducción en el costo de la producción de una imagen, el aumento casi ilimitado en el número de exposiciones posibles, la posibilidad de borrar y repetir la captura de una escena y la posibilidad de examinar el resultado de la captura de manera inmediata.
Luego, como consecuencia, vino el reemplazo de la película. Aunque la tecnología del sensor digital aún no alcanza a emular algunas de las propiedades de esta, no hay duda que hubo un desplazamiento casi total. En la fase de edición y/o desarrollo de la foto, el cuarto oscuro vino a ser reemplazado por los programas o aplicaciones electrónicas que permiten al editor hacer prácticamente todo aquello que se podía lograr en un cuarto oscuro sin las complicaciones de la preparación, manejo y disposición de productos químicos. A esto se añade el ahorro en tiempo y trabajo del proceso de edición, lo que tomaba horas en el cuarto oscuro ahora se hace en solo minutos.
Esta reacción en cadena desemboca en el reemplazo de la fotografía impresa en papel por la fotografía electrónica o presentada en un medio electrónico. Datos estadísticos demuestran una gran reducción en la cantidad de fotografías impresas en papel por los grandes y pequeños negocios que dan o daban este servicio.
Existen otros indicadores que confirman que la fotografía análoga ha perdido su vigencia. Alguno de ellos son: la desaparición de las grandes manufactureras de película a nivel mundial, la desaparición casi total de cuartos oscuros o laboratorios fotográficos en Puerto Rico y el reemplazo dramático de las impresoras de papel fotográfico por medios electrónicos y/o servicios para compartir imágenes digitales.
En mi carácter personal extraño enormemente trabajar en el proceso análogo de la producción de una fotografía. Proceso que me acompañó durante muchos años en mi desarrollo como fotógrafo profesional. No hay nada que reemplace la mágica experiencia de ver aparecer una imagen sobre la superficie de un papel sumergido en líquido. También extraño aquellos tiempos en que teníamos que esperar días para ver el resultado final de la captura de una foto. Como resultado se creaba la disciplina de “pensar antes de disparar”. Esto se ha perdido con la fotografía digital.
RU: ¿Cómo los cambios constantes en el campo de la fotografía afectan, si de alguna manera, su estilo fotográfico?
SA: Muchos tendríamos la impresión inicial de que los cambios constantes en el campo de la fotografía no afectan de ninguna manera el estilo fotográfico de un artista. Sin embargo cuando examinamos de manera profunda el historial del trabajo fotográfico de un artista en particular, rápidamente llegaremos a la conclusión de que los cambios constantes en el campo de la fotografía sí afectan el estilo fotográfico. Y no solo afecta, sino que lo hace de maneras distintas y diversas. Por ejemplo, las nuevas cámaras digitales permiten la captura de un rango dinámico más amplio que lo que eran capaces las primeras cámaras digitales. Esto permite al artista de hoy en día presentar una imagen con un número mayor de tonalidades. Como consecuencia, su trabajo artístico, desde la perspectiva del observador, llega a representar la escena original casi a la perfección. Cuando observamos una de estas fotografías vemos que en ella existe casi la totalidad de los tonos y colores que nuestro ojo alcanza a ver en la escena original. El artista logra esto haciendo una composición de varias exposiciones fotográficas en una sola foto o utilizando la nueva tecnología de HDR o rango dinámico amplio.
También la tecnología de hoy es capaz de capturar imágenes en condiciones de iluminación pobres o escenas oscuras. Esta característica amplía las posibilidades de un artista a la hora de crear su propio estilo o la composición de una imagen. Es increíble lo que se pueda hacer hoy en día con una cámara digital en el campo de la fotografía nocturna o el estudio. También a esto se suma la posibilidad de hacer fotografía de alta velocidad, lo que abre un espacio enorme al potencial creativo del artista.
Otro avance tecnológico que ha afectado de manera significativa las posibilidades artísticas de un fotógrafo se han dado con el desarrollo de mejores lentes u objetivos ópticos. La lente de hoy en día es capaz de producir una calidad óptica superior que las lentes del pasado. Esto permite que el artista pueda componer imágenes con una perspectiva o ángulo visual superior al pasado. Por ejemplo, con un lente gran angular de hoy en día puedes prácticamente capturar una imagen de un ángulo de visión mayor que el del ojo humano manteniendo una alta calidad óptica. También la tecnología ha desarrollado lentes que permiten el enfoque o desenfoque selectivo. Si añadimos estas dos posibilidades al arsenal de herramientas de un artista, sin duda podrá crear y componer fotografías de un estilo totalmente diferente a lo que podría haber hecho en el pasado.
RU: ¿Cómo surgió la iniciativa de realizar talleres de fotografía?
SA: Mi primer encuentro con el arte de la fotografía se da para el año 1983 en las aulas del Recinto Universitario de Mayagüez. Mi amigo y compañero de estudios Marvin Figueroa regresaba a la universidad con un grado asociado y el objetivo de completar su bachillerato en ingeniería. Ya él conocía y creaba fotografía. Además de pedirme que le asistiera como fotógrafo, me enseño lo que él sabía sobre fotografía y me regaló mi primera cámara. Durante mi preparación académica en el campo de la fotografía, el profesor Angel A. Gaud Gonzalez también fue un mentor importante. Otros compañeros de estudios que se preparaban en el campo de la pintura y del dibujo también hicieron grandes aportaciones a mi desarrollo. Como ves, mi desarrollo artístico ha sido un camino donde he tropezado con seres humanos maravillosos que compartieron conmigo sus conocimientos de una manera abierta y sin prejuicios. Todavía, hoy en día, sigo tropezando con seres humanos como estos.
Veinticinco años después, ya con una amplia experiencia en el campo de la fotografía y en la industria de la ingeniería mecánica decidí examinar de qué manera podía devolver al mundo lo que había recibido.
De este ejercicio nace lo que hoy en día es “Aprende Fotografía Digital”, un portal que pone los recursos necesarios para aprender fotografía al alcance de todos. Como consecuencia, y de manera natural, se combinan mis dos mayores pasiones: la fotografía y poder enseñar. Así que a partir del segundo año de la existencia de “Aprende Fotografía Digital” creamos un calendario de talleres presenciales, teóricos y prácticos sobre diferentes aspectos del campo de la fotografía. Los talleres van desde los aspectos más básicos hasta las técnicas avanzadas utilizadas por profesionales. Ofrecemos talleres sobre el uso de la cámara, la exposición fotográfica, la composición fotográfica, técnicas de iluminación y proceso de edición. También ofrecemos seminarios en línea que ponen al alcance de aquellos que por razones geográficas o económicas no pueden participar de los talleres presenciales. De esta manera cumplimos con nuestro objetivo: poner al alcance de todo hispano los recursos necesarios para el desarrollo del arte de la fotografía.
RU: ¿Cuál es la dinámica y qué métodos de enseñanza utiliza en los talleres?
SA: La dinámica que utilizo durante los talleres presenciales se da dentro de un marco bien pensado, planificado y estructurado. Se ofrece en facilidades preparadas con las características necesarias para facilitar al estudiante el aprendizaje y maximizar la retención del material que se cubre. Utilizamos material escrito y audiovisual. El participante recibe la totalidad del contenido que se discute de manera impresa y a color para que pueda hacer referencia en el futuro además de tener la posibilidad de escribir sus notas sobre este material durante el taller.
El contenido del taller es dividido en teoría y práctica de manera que el estudiante pueda hacer la conexión entre los conceptos técnicos y la utilización práctica de estos a la hora de hacer fotografía.
El método de enseñanza y el material que se utiliza en los talleres se diseña de manera que sea claro, sencillo, completo y estructurado de manera lógica con el objetivo de maximizar el aprendizaje y la retención del material.
En el taller presento el material teórico de manera interactiva. El intercambio de información se da en dos direcciones. Durante el taller, el participante tiene la oportunidad de hacer preguntas sobre dudas en cada uno de los temas o aspectos que se discuten. También tenemos un espacio al final del taller dedicado al intercambio de información y conocimiento entre participantes y este servidor.
Al final del taller separamos unas horas para la sesión práctica. De esta manera el participante tiene la oportunidad de poner en práctica lo aprendido, y descubrir aquellas técnicas o conceptos que necesita corregir o aclarar. No tengo duda que la práctica es la clave para el desarrollo y el aprendizaje de los conceptos importantes que un fotógrafo debe conocer, así que hemos incluido en nuestros talleres la parte práctica.
Esto se da en un ambiente de compañerismo y diversión ya que para esta etapa del taller somos un grupo de personas que nos hemos conocido, hemos compartido nuestras experiencias y hemos aprendido juntos conocimientos nuevos en lo que más nos apasiona: el arte de la fotografía digital.
RU: ¿Cuál cree que es rol de la radio pública en el desarrollo cultural y artístico social?
SA: Me parece que la radio pública en Puerto Rico tiene el rol y la responsabilidad de insertarse como un facilitador importante en el desarrollo cultural y artístico social. Un vivo ejemplo de esto es Radio Universidad. Llevo muchos años como radioescucha de esta emisora y no tengo duda del impacto positivo que ha tenido en el desarrollo de mis conocimientos sobre mi cultura y la de otros países. La radio sigue siendo un medio que alcanza a todos y al igual que la fotografía es un medio con el cual podemos comunicar, informar, proveer información e inclusive influenciar.
La radio pública de Puerto Rico tiene la oportunidad de concienciar a su audiencia en aspectos como: la economía, la política, arte, educación, entretenimiento, idioma y cultura. Mediante la onda radial se puede difundir nuevas ideas o maneras de lograr o alcanzar nuevos objetivos o nuevas fronteras.
También tiene la oportunidad de ser el promotor del desarrollo de los aspectos que he mencionado antes. Precisamente esta iniciativa llamada “Amigos Artistas” de Radio Universidad es un vivo ejemplo de cómo la radio puede difundir el conocimiento y promover el desarrollo de las artes en Puerto Rico y, por ende, la cultura. Este proyecto pone al alcance de su radio oyente el trabajo de varios artistas puertorriqueños que de otra manera muchos no conocerían. Para mí, Radio Universidad ha sido un medio por el cual he podido visitar y conocer la cultura de otros países de manera imaginaria. Ha puesto a mi disposición información sobre mi cultura y nuestro arte. Hoy conozco mejor quién soy y de dónde vengo gracias a Radio Universidad.
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Esta entrada forma parte del proyecto Amigos Artistas, sección dedicada a la difusión de la labor artística puertorriqueña. La misma fue creada como agradecimiento a todos los profesionales del arte que donaron obras para varias actividades de recaudación de fondos de Radio Universidad de Puerto Rico. Vea la galería de obras donadas por los amigos artistas pulsando aquí, en ella encontrarán varias fotografías del artista Salvador Alicea. Agradecemos nuevamente a todos nuestros amigos artistas por su apoyo y compromiso con la radio pública.
